Depuis plus d’une décennie, Lorna Shore s’est taillé une place au premier plan du métal extrême, mêlant la violence du deathcore à la grandeur du black métal et du métal symphonique. Avec la sortie de leur cinquième album studio le 12 septembre chez Century Media, I Feel The Everblack Festering Within Me, le quintette du New Jersey repousse ses limites, à la recherche de nouveaux extrêmes tant sur le plan musical qu’émotionnel. Ils n’ont pas créé un album d’une brutalité implacable pour le simple plaisir, mais plutôt un voyage complexe entre vulnérabilité et chaos, où les arrangements orchestraux et les cris gutturaux s’entrechoquent dans un paysage cinématographique.

par Zo’

English version below

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L’album explore les thèmes de l’isolement, du conflit intérieur et de la quête de sens dans un monde fracturé et chaotique. Le guitariste Adam De Micco et l’orchestrateur Andrew O’Connor construisent des compositions monumentales où les symphonies s’élèvent au-dessus des rythmes explosifs et des voix gutturales. Les arrangements d’O’Connor guident les auditeurs comme une bande originale de film, nous entraînant dans des scènes de bataille et des paysages épiques, tandis que De Micco passe sans transition de la fureur du black metal à des phrasés de guitare planants, presque classiques du rock des années 70. Et par-dessus tout cela, le chanteur Will Ramos devient encore plus fascinant en passant de cris gutturaux à des hurlements perçants, exposant toutes ses capacités sans céder à des voix claires.

L’album s’ouvre sur « Prison of Flesh », une descente de sept minutes dans la folie. Il commence par le son étouffé d’un battement de cœur, accompagné de cordes sinistres, comme les premières minutes d’un film d’horreur. Puis, le chaos éclate : les tambours grondent, les guitares déferlent et des pig squeals transpercent la tempête. À mi-chemin, il y a même un bref passage de puissance métal triomphante avant que le morceau ne replonge dans l’obscurité avec un final dévastateur. Le récit de la chanson est centré sur la démence et la perte de contact avec la réalité. « La phrase « They’re coming to get me » est ma façon de personnifier les « démons » ou quelque chose qui vous donne l’impression de perdre des parties de vous-même », explique le chanteur Will Ramos. « Plus ils se rapprochent, plus vous vous détachez, jusqu’à ce que vous ne soyez plus qu’une coquille vide de peur et d’illusion. » C’est une façon audacieuse et poignante de commencer l’album. À partir de là, « Oblivion » s’appuie sur une dimension cinématographique, inspirée du film Interstellar. Le morceau examine l’incapacité constante de l’humanité à agir pour le bien commun, mêlant des envolées orchestrales à des riffs écrasants. Will Ramos le décrit comme « l’aboutissement de tout ce que nous avons fait dans le passé, mais amené à un niveau supérieur. Une version plus évoluée de ce qu’est vraiment Lorna Shore. » « In Darkness » s’ouvre sur une section chorale envoûtante, légère et céleste, avant de sombrer dans le chaos. Un solo de guitare éblouissant constitue le cœur de la chanson, faisant le pont entre le sacré et le violent, comme la marche d’un guerrier vers la bataille. Avec « Unbreakable », le groupe se tourne brièvement vers l’espoir. Cette chanson est décrite comme « un hymne triomphant et inclusif destiné à rassembler les gens, à leur rappeler que quoi que ce monde nous réserve, il ne nous brisera jamais ». C’est un hymne rare à la résilience au milieu de l’obscurité environnante.

L’un des moments les plus marquants de l’album est « Glenwood », une chanson profondément personnelle. Elle commence doucement, avec un chant presque clair, avant de se transformer en cris gutturaux et en lignes de guitare entraînantes. Poignante et nostalgique, la chanson évoque la relation difficile de Ramos avec son père et la nature éphémère du temps. « J’espère que les gens écouteront [cette chanson] et réfléchiront à leur propre vie et aux personnes qu’ils ont repoussées, et qu’ils se demanderont : « Est-ce que cela vaut vraiment la peine d’être en colère pendant si longtemps ? » », confie Ramos. « Le temps est constamment éphémère, tout comme nous. Il y a d’innombrables références dans cette chanson que seules les personnes qui m’ont connu pendant mon enfance peuvent comprendre. » Pour Lorna Shore, ce morceau ressemble presque à une chanson d’amour : fragile, cathartique et douloureusement humaine.

La seconde moitié de l’album redevient plus agressive. « Lionheart » est un cri de guerre cinématographique, où des lignes orchestrales héroïques s’entremêlent à des riffs de guitare brutaux et à une batterie implacable. « Death Can Take Me » commence par une introduction chorale qui fait monter la tension jusqu’à ce qu’elle explose dans le chaos. Son refrain accrocheur contraste avec l’un des breakdowns les plus destructeurs de l’album, où des cris de cochon et des hurlements gutturaux déchirent les murs symphoniques. « War Machine » suit, s’ouvrant sur le bruit des balles et des cris, comme l’intro d’un film de guerre ou d’un jeu vidéo. Le morceau dure un peu moins de cinq minutes, mais ne perd pas de temps, sa batterie tonitruante et ses riffs semblables à des tirs d’artillerie délivrant l’agressivité la plus directe de l’album. Il se termine brusquement, avec un dernier coup de feu qui résonne, laissant le silence dans son sillage. Comme son titre l’indique, « A Nameless Hymn » porte la gravité d’un rituel. La structure de la chanson semble cérémonielle, avec une composition classique se mêlant à la sauvagerie brute du métal. Le breakdown est monumental, construit avec une précision méticuleuse jusqu’à s’effondrer comme un temple en ruine. Enfin, le morceau de clôture « Forevermore » offre un moment de calme inquiétant. Il commence par des touches, des cordes et des vocalises éthérées qui évoquent un paysage nordique gelé avant de déclencher une dernière tempête de blast beats et de rage gutturale. Même au milieu du chaos, une mélodie persistante transparaît, conférant à la fin une beauté étrangement cathartique. Alors que la musique s’estompe, le bruit des vagues de l’océan persiste, tel un dernier souffle après la tempête.

Tout au long de l’album, Will Ramos livre sa meilleure performance vocale à ce jour, faisant preuve d’une gamme vocale étonnante sans jamais recourir à des voix claires. L’alliance entre la guitare d’Adam De Micco, les arrangements d’Andrew O’Connor et la batterie d’Austin Archey s’avère être l’arme principale de l’album : le travail à la guitare passe sans effort de soli vertigineux à des riffs punitifs, tandis que les textures orchestrales amplifient la charge émotionnelle de chaque chanson. Pendant ce temps, Austin Archey martèle le rythme de la bataille sur sa batterie.

Avec I Feel The Everblack Festering Within Me, Lorna Shore a créé quelque chose à la fois dévastateur et époustouflant. C’est un album extrême, brutal et magnifique, complexe et viscéral, qui repousse les limites du metal lui-même. En embrassant la vulnérabilité et le chaos, ils ont créé un album qui ne se contente pas d’être écouté, mais qui se ressent, et qui continue de résonner longtemps après que la dernière vague se soit brisée dans le silence.

Tracklist :

01 : Prison Of Flesh
02 : Oblivion
03 : In Darkness
04 : Unbreakable
05 : Glenwood
06 : Lionheart
07 : Death Can Take Me
08 : War Machine
09 : A Nameless Hymn
10 : Forevermore

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For over a decade, Lorna Shore have carved a place at the forefront of extreme metal, blending the violence of deathcore with the grandeur of black and symphonic metal. Releasing their fifth studio album on September 12th via Century Media, I Feel The Everblack Festering Within Me, the New Jersey quintet are pushing themselves to their absolute limits, seeking new extremes both musically and emotionally. They did not create an album of relentless brutality for its own sake; instead, it’s an intricate journey of vulnerability and chaos, where orchestral arrangements and guttural screams collide in a cinematic landscape.

by Zo’

The record explores themes of isolation, internal struggle, and the search for meaning in a fractured, chaotic world. Guitarist Adam De Micco and orchestrator Andrew O’Connor build massive compositions where symphonies escalate above blast beats and guttural vocals. O’Connor’s arrangements guide listeners like a film OST, drawing us into battle scenes and epic landscape, while De Micco seamlessly shifts from black-metal fury to soaring, almost 70’s classic-rock guitar phrasing. And above that, vocalist Will Ramos is getting even more fascinating switching from guttural to piercing screams, exposing all of his capabilities without yielding for clean vocals.

The album opens with “Prison of Flesh”, a seven-minute descent into madness. It begins with the muffled sound of a heartbeat, joined by sinister strings, like the opening moments of a horror movie. Then, chaos erupts: drums thunder, guitars surge, and pig squeals cut through the storm. Midway through, there’s even a brief passage of triumphant power-metal brightness before the track plunges back into darkness with a devastating final breakdown. The song’s narrative centers on dementia and losing touch with reality. “The line ‘They’re coming to get me’ is my way of personifying ‘demons’ or something that makes you feel like you’re losing pieces of yourself,” explains vocalist Will Ramos. “The closer they get, the further detached you become until you’re nothing but a husk of fear and delusion.” It’s a bold and harrowing way to begin the record. From there, “Oblivion” builds on the cinematic scope, inspired by the film Interstellar. The track examines humanity’s constant failure to act for the greater good, weaving soaring orchestral swells with crushing riffs. Will Ramos describes it as “culmination of all the things that we’ve done in the past, but brought to the next level. A more evolved version of what Lorna Shore truly is.” “In Darkness” opens with a haunting choral section, light and celestial, before spiraling into chaos. A dazzling guitar solo acts as the song’s centerpiece, bridging the sacred and the violent like a warrior’s march into battle. With “Unbreakable”, the band briefly turns toward hope. It is described as “a triumphant, all-inclusive song meant to bring people together, to remind them that no matter what this world throws at us, it will never break us down.” It’s a rare anthem of resilience amid the surrounding darkness.

One of the album’s most outstanding moments comes with “Glenwood”, a deeply personal song. It begins softly, with an almost clean vocal delivery before building into guttural screams and sweeping guitar lines. Poignant and nostalgic, the track reflects on Ramos’ difficult relationship with his father and the fleeting nature of time. “My hope is that people hear [this song] and think about their own lives and the people they’ve pushed away and ask themselves, ‘Is it really worth being upset for this long?’,” Ramos shares. “Time is constantly fleeting, just as we are, as well. There are countless references in this song that only the people who knew me growing up would understand.” For Lorna Shore, this track feels almost like a love song — fragile, cathartic, and achingly human.

The second half of the record turns more aggressive again. “Lionheart” is a cinematic battle cry, where heroic orchestral lines entwine with brutal guitar riffs and relentless drums. “Death Can Take Me” begins with a choral introduction that builds tension until it detonates into chaos. Its catchy chorus contrasts with one of the most destructive breakdowns on the record, pig squeals and guttural screams tearing through the symphonic walls. “War Machine” follows, opening with the sound of bullets and screams, like the intro to a war film or video game. The track clocks in at just under five minutes but wastes no time, its thundering drums and artillery-like riffs delivering some of the album’s most direct aggression. It ends abruptly, with a final shot ringing out, leaving silence in its wake. As its title suggests, “A Nameless Hymn” carries the gravity of a ritual. The song’s structure feels ceremonial, with classical composition blending into raw metal savagery. The breakdown is monumental, built up with meticulous precision until it collapses like a temple crumbling. Finally, the closing track “Forevermore” offers a moment of eerie calm. It begins with keys, strings, and ethereal vocalizations that evoke a frozen Nordic landscape before unleashing one last storm of blast beats and guttural rage. Even amid the chaos, a persistent melody shines through, giving the ending a strangely cathartic beauty. As the music fades, the sound of ocean waves lingers, a final breath after the storm.

Across the album, Will Ramos delivers his strongest vocal performance to date, showcasing an astounding range without ever relying on clean vocals. The alliance between Adam De Micco’s guitar, Andrew O’Connor’s arrangements, and Austin Archey’s drums proves itself as the album’s main weapon: guitar work shifts effortlessly from soaring solos to punishing riffs, orchestral textures amplify the emotional weight of every song. Meanwhile, Austin Archey hammers out the rhythm of the battle on his drums.

With I Feel The Everblack Festering Within Me, Lorna Shore have created something both devastating and breathtaking. It’s an album of extremes, brutal and beautiful, complex and visceral, that challenges the boundaries of metal itself. By embracing vulnerability alongside chaos, they’ve crafted a record that isn’t just heard, but felt, lingering long after the final wave crashes into silence.

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